王炳皓1886年，德加（Degas）、毕沙罗（Pissarro）和修拉（Seurat）等著名画家在巴黎举办了一场画展。而在开幕式当天，大部分前往现场的观众却不那么友善。参展画家保罗·西涅克（Paul

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如今火热的旅游目的地在百年前是什么样？世界闻名的九寨沟、张家界还未开发，各地名园流于荒废……很少有人能完整记录下当时的中国大地，但有一位来自日本的“中国通”先生，来往中国凡五十余次，亲身考察中国各地，留下了大量的珍贵记录，集结而成了这本《中国的风景与庭园》。《中国的风景与庭园》为我们提供了一个来自日本的“民国徐霞客”的全新视角。后藤朝太郎留下了一份极具临场感的描述。本书虽篇幅不长，但读来饶具意趣、古意森森、满纸烟霞。书中图片更是还原中国近代历史的珍贵图像资源。《中国的风景与庭园》[日]后藤朝太郎

写作对于我来说，是一个试图看见作品肌理的过程，同时也是一个渴望意外的过程。在这一点上，我非常认同鲍德里亚的观点：“写作是一种奇怪的非人性的功能，反映着语言本身的非人性。作为家养物种的语言，通过写作又变成野生物种。”——海杰

History）于今年出版，讲述了19世纪至今的女性摄影师的历史，涉及了时尚摄影、战地摄影、社会运动、自拍等类型，而女性摄影师均在每一类型中发挥了重要作用。作者埃玛·刘易斯（Emma

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年，是本书的最后一篇文章，也相当于一份致辞或后记。我带着这样的想法重写了这篇文章，加入了我对培根印象最深的几段回忆。本书中的文章涉及的主题和风格如此多样，又曾是为各类出版物撰写，时间跨度长达近

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Island，1940年7月22日）展现了在阳光明媚的下午成千上万人涌入科尼岛，就好像在说：美国是个好地方——快来加入我们吧！而美联社的照片《艾瑟尔和朱利叶斯·罗森堡在去纽约坐牢的路上》（Ethel

Lange摄影师应该拍摄自身熟悉的事物文

一个众所周知的现状：国内摄影史论的译介非常滞后（这是就普通读者而言，外语能力过硬者，可直接阅读最新的著作），原因很多，且较难克服（在此不讨论，亦不埋怨），可摄影史论又很重要。面对此一局面，我们自知能力薄（远不及翻译标准的“信”与“达”，遑论“雅”），但趁还有精力（也许还算年轻），就斗胆一试，花上两三年，竭力译介基础且相对重要的文献。我们只愿：少一点错误，多一些启发。当然，此翻译工程，远非一人或几人合力就可完成，我们希望，能有志同道合者加入，共同译介，形成一个共同体，可是，这份无物质回报、耗时巨大、投入与产出极不成比例的工作，又有几人会干？但愿会有。下文简单介绍了我们将在2022年译介的35本摄影与艺术图书。如果你愿意一起译介，可以联系邮箱（imagewriter@foxmail.com），或直接联系微信（Image-writer），如果你只是喜欢这些文献，也可通过上述方式，我们会无偿寄送资料。

她去过很多地方，都不忘拍摄当地形态各异的树，她说树之于她和人无异，树有着不同的面貌和精神，不同的气质和个性。她安安静静用富有浪漫色彩和诗意的影像去观察：树如何存在，又如何与人类共存。《与树密谈》,

Walters）的作品，后者的摄影项目以“愉悦与恐惧”中展出的康涅狄格州（Connecticut）后院的家庭影像为起点，历时三十年，于2018年出版。在许多照片中，如巴尼或玛丽·弗雷（Mary

不论是生活还是创作，许多激动人心的时刻，都是无法预测，也无法重来。正如RISO印刷中充满着试验性和随机性，正式完成之前，是无法预测最终成品会是什么样。也因此，许多人都被这种需要冒险精神的实践所吸引。

Friedlander）拍摄的照片《纽约希尔克雷斯特》（Hillcrest,

刘张铂泷（1989），艺术家，译者，关注与科学知识生产以及城市空间生产相关的跨学科实践。译著有《第七人》《重组的眼睛：后摄影时代的视觉真相》《弗兰克之后的摄影》等。

L：我以前有画过草图，他们都是用彩色水笔画的，有一点像小孩子的线条。看了我的那些草图，再看这些照片，可能就会有点感觉。他们有联系，很像儿童画。我写了很多诗，这些诗跟这些草图，还有摄影都是有关系的。

“这幅画被归类为“春之部”，但是画中的叶子却是秋天的。由此看出，那个时候的画家创作风景画时，并不完全考虑客观因素，而是加入一些自己带有梦幻色彩的想象。”

致力于出版西方前沿理论及经典思想著作，西方现代文学经典，优质文化艺术类读物（含音乐、艺术、摄影、电影、设计等类），海外中国研究精选，以及原创随笔、小说及其他优质文化生活读物。

这是漫长，并且我希望时至今日仍有意义的传统或谱系的一部分，它期望无论何时，艺术都能出于众所周知的原因对传统品味提出异议，并捐弃这样的想法——即必须以任何方式得以流行才有意义，甚至是成功的必要条件。

“兰格伟大的照片《流离失所的母亲》一直都让她有些困扰。在兰格拍摄这张照片的时候，刚好有人伸手将帐篷稍微往后扯了一下，于是照片的前景里拍到了单独的一只拇指，这只拇指让兰格感到担忧。所以，

BarTur摄影奖寻找那些能够让气候变化问题重新成为讨论和关注焦点的作品。我们欢迎那些难以消化、挑战我们的天真、揭露我们的鲁莽行为对人类、动物、土地和海洋的影响，让我们停下来思考的作品。

“在这些每日都无法摆脱的忧愁里，摄影可以帮我消解一些。仅仅是靠记录一些记忆，情绪也能稳定起来。也许这就是生存的实感。”

只做1%中国人的影像艺术。

虽然贾尔的早期作品反对将纯粹的摄影内容当作政治解释，可他的各种访谈与文章清楚表明，卢旺达经历进一步质疑了摄影在再现灾难时的功用。一堆腐烂尸体的照片[比如，贾尔在恩塔拉玛大教堂（Ntarama

警察大叫一声，众人立即分散逃跑。由于忙着提裤子，威廉斯落到了队伍最后。他沿着排水管爬回地面，看见两名警察冲过来，便夺路而逃，最后钻进彼德屋学院的中世纪式花园，借助灌木丛和围墙的掩护，才“虎口脱险”。

展览时间：2021年5月1日-5月9日（周一闭馆）

《偷窥者》暗示了一个崩溃了的人类大家庭；在这里，摄影人文主义的理想主义被转化为对人类努力的更为敏锐的看法。但是费尔德曼的作品不仅仅是马歇尔·麦克卢汉（Marshall

盖瑞·温诺格兰是美国著名纪实摄影师，街头摄影鼻祖，擅长使用广角镜头抓拍记录人们的日常生活，作品画面不仅饱含戏剧张力、充满幽默。他的摄影创作影响深远，极大地推动了后来新闻摄影、街头摄影的发展。

在格里·巴杰看来，摄影是真实的艺术，而正是“真实”这一摄影最核心的属性，自其诞生之初直至今天，吸引无数影像艺术家前仆后继。他们之中，既有着恪守“真实”的记录者，又有着质疑、挑战“真实”的造像师。

Man），它对战后美国的黑人遭遇的描述引人深思。《生活》杂志的摄影师戈登·帕克斯（Gordon

课程已经上线扫码直接报名在20世纪六七十年代，日本摄影界涌现了一批对后世影响深远的摄影大家，其中最重要、最关键的摄影家，要数以东松照明、奈良原一高等人为代表的VIVO和以中平卓马、森山大道为代表的“挑衅”。在这批人的影响之下，20世纪80年代，日本的年轻摄影师迅速崛起——他们既承继VIVO与“挑衅”，又发展出全新的摄影风格。在课程《后挑衅时代的日本摄影》中，摄影研究学者林叶将聚焦20世纪八九十年代的日本年轻摄影师，并从传统与继承、景观摄影、艺术摄影与女性摄影四个角度（即，四个课时），紧密贴合时代发展的状况，从“摄影内史”与“摄影外史”两条线索出发，全面、系统地讲述当时纷繁、兴盛的日本摄影。WORKSHOP写真学校后挑衅时代的日本摄影主讲人

新课上线扫码直达冷面、客观、细节繁复、尺幅巨大……这些是德国摄影的标签，其源头正是大名鼎鼎的杜塞尔多夫学派。杜塞尔多夫学派诞生于20世纪70年代，继承了奥古斯特·桑德所代表的新客观主义，并发展出独立成熟的语言，摄影“类型学”。某种程度说，杜塞尔多夫为当代摄影提供了重要的美学范式，与在美国大陆兴起的“新地形摄影”和“新彩色摄影”，一道成为后来几乎所有摄影师无法绕开的艺术高峰，继承亦或颠覆，它提供了绝对坐标。©

阅读需要一个循序渐进的过程，摄影史就像是树干，各种理论则是上面的分枝，每一个分枝上又有更多的分枝，当知识积累到一定程度时，不同分枝上的树叶也会互相产生联系，一个比较全面的知识网络就逐渐成型了。

12节视频直播课，无死角讲透摄影史扫码报名课程世

长按二维码可报名课程在前两节课中，我先讲述了现成照片再创作的相关理论背景，以作铺垫。并且，我提出了现成照片再创作的两种方向，其一，即“呈现”，我已经在第二讲中详细地讲过；其二，即“改造”，这也将是第三讲（即此次课程最后一讲）的主要内容。我们对照片表面的改造，体现为视觉上的变化，从而扭转照片的原始意义，或为其增添新的意义。这些实践从个人化的幽默脑洞，延展到指向社会层面的严肃思考和呼唤。这个方向上，针对作为素材的现成照片，可以提出的问题是：我们可以做什么？我们可以说什么？首先，我们可以在照片上写字、画画、刺绣，把照片里的具体元素，或者不同的照片进行拼贴、合成……观看者的自我经验在此得到强调，现成照片变成了TA的素材库、工作台，TA依循“延伸的刺点”，各种天马行空。可可

6月21日上线第二讲长按二维码报名1980年代之后的日本景观摄影主讲人

扫描二维码免费听讲座1980年，罗兰·巴特的《明室》甫一出版，便受到了人们热烈的追捧。正如巴特所言：那些有关技术性、历史性以及社会性的摄影书，不是从很近的地方着眼，就是从很远的地方着眼，而“我发现没有一本书正确地讨论了那些让我感兴趣的照片，即那些让我高兴或感动的照片。”这一次，不仅罗兰·巴特很欣慰地看到自己对照片进行了彻底的探索，而且摄影世界中的人们也领略了一位理论学者眼中的摄影、摄影本性以及摄影式的讨论。罗兰·巴特《明室》的时间点然而，解读本书的起点却是从两个并不起眼的日期开始。几乎很少有人会关注到《明室》最后附注的1979年4月15日至6月3日。同样，在各类有关《明室》的论文和释读文章中也无人关注到这个写作期限，并对此作出某些后来者的解读。通过查阅，我们发现1979年4月15日为周日，而6月3日也是周日。计算一下这两个日期的间隔，正好是七周时间，共49天。联系《明室》的48个小节，我们似乎迅速地从这些日期、星期日以及章节数中读出了一些寻找《明室》秘密的线索。蹊跷的事情不只是这些。1977年，巴特的母亲去世。很多著作都不约而同地提到，《明室》一方面是巴特关于摄影的解读，另一方面也是他通过照片的分析，怀念自己的先母。于是，从1977年始，至写作本书的1979年结束，恰是一个完整的三年丁忧期，若加上前方所述的49天，仅从这些来看，《明室》正如大部分论文所说的一样，是一本近似于纪念母亲并喃喃自语的日记。罗兰·巴特和他的母亲，约1925年中国人对上述分析的日期具有某些敏感性，联系巴特生命中最重要的人，以及丁忧和四十九天等，《明室》似乎从写作开始并笼罩上了一层复杂、多义且个性化的情感因素。虽然作者一再强调，本书的完成仅受《电影手册》杂志的邀约，但是如此私人化的思维显现，的确给阅读《明室》，并且想从《明室》的分析中寻找到一丝哲学意蕴的读者带来了难度。或许，处于这样一个思想澎湃又心情松弛间隙的罗兰·巴特，从一开始就并未想把此事复杂化，更没有想把摄影以及摄影的理论复杂化。“明室”与“暗室”接下来，需要展开的是关于《明室》中的“明室”。巴特在本书的第44章节里说明了“明室”为何。长期以来，中文世界里对44章节里的“明室”以及《明室》书名的解读称为：与摄影暗房相对的明亮房间。这样的解读并无错误，但在中文世界里，这样的解读则会引起很多概念的纠缠不清。查询法语或英语的“明室”，我们发现明室即Camera

这种摄影狂热，即永远在重复同样的东西（或相似的东西）最终达到了这样一个程度，拍快照者如果没有了相机，就觉得自己失明了：这成了一种药物成瘾。拍快照者从此只能透过装置（相机）并且在摄影的范畴中看世界。

出版译著包括杉本博司文集（《艺术的起源》与《现象》）、《日本摄影50年》《私摄影论》《亚洲家族物语》等，译作包括《日本艺术摄影史》（选译）。

而所谓的“灵光”其实是摄影术出现之前存在于人类艺术作品中的一种艺术特性。按中国人的习惯，不妨称之为神韵或气韵。对于第一部分，在摄影出现之前，人类的艺术作品中或多或少都会拥有“灵光”。

事实上，森山大道从一开始就没有刻意追求“粗糙、晃动、高反差”的效果，而且从上个世纪七十年代中后期开始，他就已经开始摸索新的创作方式，逐渐摆脱这些标签化的摄影风格。

此外，我还有一个习惯是：用创作中的具体策略去呼应这些著述中涉及摄影史的一些细节，前提依然是它们能和作品本身建立合理的关系。这一选择其实与我敬仰的一位摄影艺术家托马斯·鲁夫（Thomas

此书是有志于研究照片本质的专业摄影家、摄影爱好者以及任何对摄影媒介感兴趣者不可或缺的启蒙读物。

曾多次策划平遥、大理、丽水等摄影节展览，并获各类展览、比赛、理论研讨会等奖项；发表专业类论文数篇，出版摄影类著作若干；参与各类摄影节、讲座、学术活动等，文字及评论见于各类摄影报刊与媒体。

托马斯·鲁夫是德国杜塞尔多夫学派的重要人物，并成为德国当代摄影甚至国际范围内独一无二的现象级存在。可以说，他是“非典型”的杜塞尔多夫学派门徒，他是永不安分、无法归类、离经叛道的影像探险者。

大约讲下，二十世纪如何在布列松、FSA等创作者的引领下，掀起摄影的新浪潮，现代摄影崛起，并经过纽约MoMA摄影部三代人的努力，将现代摄影提升至于绘画并驾齐驱的艺术地位。

到目前为止，您是否有“生存策略”？停顿了一下，问题又回来了。“虽然不是说战略，但是从一点一点地从自己身上剔除不属于自己的话，准确地诚实地传达自己的身体和内心的感觉，从这样的小小的事情开始。”

Centere（文化中心）的新活动开始了。这也是以创作者为主体进行活动的土壤。作为个人，在经过这样的活动之后我开始意识到我将在完成这些活动后再次出发。但这确实是时候去探索了。我们有时间为将来做准备。

摄影与绘画的“相爱相杀”已经是被说了千万遍的话题。无论是摄影诞生之初的“绘画已死”论调，还是后续更为理性与辨证的摄影绘画互相借鉴共同发展的说法，都已是老生常谈。