“貌合神离”的肖像性｜BANK十周年展览作品（二）

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 靳山 Jin Shan 

（前 Front)

靳山 Jin Shan‍‍‍

驿马 Relay, 2020

塑料 Plastic

140 x 50 x 50 cm

2023 🛸 2013

🔗 BANK Interview 采访（下) | "颠覆与重塑"——靳山的雕塑美学

耿旖旎 Geng Yini 

耿旖旎 Geng Yini‍‍‍

民谣 Folk, 2022

布面油画 Oil on Canvas

110 × 140 cm

耿旖旎有着雌雄同体般的艺术敏感度和超脱于性别界限和国籍的非同寻常的视角，单从她的作品看，基本察觉不出任何端倪。耿旖旎的油画色泽黏稠，表面内容丰富多彩，画面故事则完全呈现精神分裂症的特点。把各类混杂的元素汇聚到一起要表达什么并不重要，以轻松的心态恣意演绎多重性才是耿旖旎的作品胜人一筹的地方。

近几年，耿旖旎的创作思绪总围绕着‘理想中的故乡’这个概念展开。对艺术家来说，“故乡”不一定指某一固定地域，反而更像一个抽离的概念或某种情感的缠绕与追忆。在BANK十周年展览展出的作品《民谣》是艺术家2022年的创作。“我在创作过程中，一直被一种莫名的悲壮感包围着，这也许就是说不清楚的那点儿创作动机的火焰，把我带去野风横驰的山地，急促呼吸着干凛的空气，目光扫过平远的地平线，天地间却空无一人。迷燕归家的急迫变成对故乡的质疑和追问，变成对英雄主义的痴迷，变成对身份的探讨和困惑。困惑就像被蚕食的黑洞一样，越来越大、越来越深。”艺术家说道。

耿旖旎是一名生活于中国东北（辽宁沈阳）的酷儿艺术家，毕业于沈阳鲁迅美术学院。她分别于2013和2015年在BANK，2017于上海K11美术馆，2018于武汉K11艺术村举办个展。其作品已参展于多家艺术机构及大型展览，如第55届威尼斯双年展平行展、北京今日美术馆、K11美术馆等。耿旖旎的作品被白兔美术馆、乌里·希克、香港K11美术馆和北京时代美术馆等重要机构与个人收藏。

2023 🛸 2013

🔗 水豚与肌肉猛男对谈耿旖旎“虚拟力量”

 博尼﹒拉米雷斯 Bony Ramirez 

博尼﹒拉米雷斯 Bony Ramirez

(左) (Left)

马卡劳！ MACARAO! , 2023

丙烯、软油彩、彩色铅笔、胶合板；木板面布里斯托尔纸

 Acrylic, soft oil pastel, color pencil, plywood; Bristol paper on wood panel

50.8 x 50.8 cm

(右) (Right)

大远景  Grand Master Plan , 2023

丙烯、软油彩、彩色铅笔、金箔笔、珠光粉；木板面布里斯托尔纸

Acrylic, soft oil pastel, color pencil, gold leaf marker, Pearlescent powder; Bristol paper on wood panel

182.88 × 121.92 cm

作为美国艺术界一颗冉冉升起的新星，博尼·拉米雷斯的作品目前正于波士顿美术馆展出。今年他在Jeffrey Deitch画廊的个展“热带锋面”受到了广泛的关注。他的作品被波士顿美术博物馆、迈阿密佩雷斯艺术博物馆以及迈阿密当代艺术学院永久收藏。他被福布斯列为2023北美30岁以下杰出青年，并被CULTURED杂志选为2023年度青年艺术家。

博尼·拉米雷斯1996年出生在多米尼加共和国萨尔塞多的特纳雷斯。他目前在新泽西的珀斯安博伊生活和工作。他在多米尼加共和国的乡村长大，第一次接触到天主教的图像，他对意大利风格、文艺复兴时期的肖像画和儿童插图等不同的深厚兴趣。自2009年移民至美国，他便没有再回故乡。他通过对家人的观察和长辈的口述，在自己的作品中还原对故土风情的记忆。

拉米雷斯在纸上创造了他的个人风格化、比例扭曲的人物，并将他们置于具有田园风光、加勒比图像的彩色背景的木板上。拉米雷斯在作品中使用了各种物件更进一步强化了他作品的俏皮和田园风格，如五彩缤纷的珠子和象征暴力的刀子和斧头等，这些构成都是对他成长记忆的超写实描述。

2023 🛸 2022

🔗 博尼·拉米雷斯 Bony Ramirez｜入选2023福布斯30岁以下杰出青年&精选报道

谢其 Xie Qi 

谢其 Xie Qi

浪与礁石 2 Wave and Reef 2, 2017

布面油画 Oil on canvas

150 × 120 cm

谢其 Xie Qi

静置的蛇形 A Calm Serpentine, 2020

布面油画 Oil on canvas

120 × 65 cm

谢其近年的绘画围绕着头像和半身像而展开，她将对象移离了日常情境，置于舞台化的光线里，导致笔下的的那些人物，看上去像是被孤独地留在了将要暗场的舞台上，他们脱离了一直在现实中扮演的某个角色，正在逐渐还原成一种赤裸的、个人化的存在。

不论是2019年在BANK的个展“锁骨”，还是近期于贝浩登香港举办的个展，这些由环境先决的光线戏剧性地衬托了每幅画面中饶有意味的定格瞬间。人物轮廓消退到气雾般的背景的中，氛围化身真正的主角。“我第一次去BANK时，走下长长的幽暗的楼梯，底部豁然开朗。这里曾是多间用途不明的房间，后来被打通成了展厅，马修特意保留了部分原来的地板和几面破损的墙体。当时脑子里就骤然出现了红色，一种暧昧、浓度饱和而温暖的红色，就像这里曾经存在过的按摩房灯光一样，但是以更为开阔坚实的方式出现。后来又设计加入蓝色做一种冲撞，结果混出了艳丽的紫色和粉红。其实这个在绘画的展示里是非常冒险的，之前我不会做任何破坏白平衡的事情，这完全是现场带来的灵感，又正巧像给画面里的灯光作旁证。如同布了一个性感的局。幸亏观众们很兴奋……”谢其在采访中说到。

另一方面，谢其将创作中的百分之四十留给了偶然，或称即兴。预想和过程会交替变为引导，色彩像是背景音乐，跟形体的配合像是声画对位的过程。而被描绘的对象离开了生活的环境，在审视的距离中化为陌生的客体，任凭新的描摹重拾亲密。

参考自谢其专访：氤氲的感知

2023 🛸 2019

🔗 BANK | 谢其个展开幕回顾 Xie Qi Solo Show Opening Review

 梁浩 Liang Hao 

梁浩 Liang Hao

手与爪子

Hand and Bird Claw, 2023

布面油画 Oil on canvas‍

160 x 120 cm

在那些与操作有关的绘作里，梁浩通常都采用近乎工业制图的轴测视角来描绘。甚至在他拍摄自己的工作台、画草稿时都持有这种视角。平行透视便于金属组件的装配和组合，令人无法不联想车间里的流水作业，并指向一种流程学思维。

从物理距离来看，梁浩的所有画都像特写镜头一样近。但虽近却远。尽管非常写实，那些被画的人、物，全都与观者隔了一段特定的距离：不会太远，毕竟细节一丝不苟，全都历历在目；但也不可能很近。那是一个走不进去的世界，它的存在从来不是为了融入和拥有，而只是观测。测一个世界如何自治，逻辑是否严谨，流程是否可控。

梁浩曾在一次访谈中把自己的画作称为“手的肖像”，曾经有人问他，为什么要把手的局部画在画面中，他回应道：“这不是一个局部，而是一个整体，我们为什么会把肖像画叫肖像画，而不说画一张脸的画呢？我画的就是手的肖像。”

但我觉得它们更应该被视为一种静物画。回忆脸及身体的局部是从什么时候成立为一件作品并无意义，这种对局部的观看旨趣始终可以归溯到对静物的打量。手在此并不指向缺席的脸与人，而应被视为工具化的器官，它当然拒绝了共情。

节选自展评 梁浩：高手的操作序列

🛸 2023‍‍

🔗 BANK 展览现场｜Installation View｜梁浩：高手 Liang Hao: Gesture and Speech

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